"Não me deixe assim!" Quantas versões fazem um hit?

in

Você lembra qual versão de Don’t Leave me This Way foi a primeira que ouviu?
Certamente não foi a primeira a ser lançada. Isso porque essa primeira versão, de 1975, é a menos famosa de todas!

O mais interessante é que eu acho essa versão a mais delicada, climática. Ela está prontinha para uma trilha sonora. Como é que ninguém ainda se animou a hypar?
O vocal de Teddy Pendergrass é uma delícia e o instrumental do Blue Notes tem uma pegada que é disco music mas está mais para soul, quase um baladão com batidas. Pendergrass estava no grupo desde 1970. Parece que rolou uma treta em torno de dinheiro e ele saiu pouco tempo depois do lançamento de Don’t Leave Me This Way, que foi impulsionada por uma de suas versões mais famosas e chegou a figurar no top 10 dos EUA e do Reino Unido. Como eu comentei, mesmo assim ela é a versão mais desconhecida da música. Ficou apagada no tempo, injustamente.

A dupla de compositores Kenneth Gamble e Leon A. Huff, mais conhecida como Gamble & Huff e considerada grande responsável pelo Philly sound (o soul típico de Filadélfia), já tinha feito pelo menos um hit para Harold Melvin & The Blue Notes: If You Don’t Know Me By Now, que você provavelmente conhece. Dizem que essa foi composta originalmente para o Labelle - IMAGINA? Patti LaBelle acabou apresentando a música em shows na década de 1980 e, você sabe, Simply Red gravou a versão deles com muito sucesso em 1989.

Affff PATTIIIIIII!

Don’t Leave Me This Way também tem um letrista: Cary Gilbert. Com Gamble & Huff, ele também fez a letra de Me and Mrs Jones.

E, bem, a letra de Gilbert para Don’t Leave Me This Way pode significar várias coisas. Um amor desesperado. Um tesão descontrolado. Um abandono melancólico. Depende de quem interpreta.
Quem a interpretou depois de Pendergrass foi uma das cantoras mais injustiçadas pelo preconceito com a disco music: pode entrar, Thelma Houston!

thelma-houston.jpg

Quando Thelma e Don’t Leave Me This Way se encontraram, ela já tinha ralado muito. O primeiro álbum dela, Sunshower, saiu em 1969 e contava com diversas músicas do hit maker Jimmy Webb, além de nada mais nada menos que Jumpin’ Jack Flash de Mick Jagger e Keith Richards. Tsá?

Porém, apesar do óbvio talento, o disco não fez barulho. Mesmo assim, Thelma foi contratada pela Motown. Fez discos por lá que também não deram em nada. Aí tinha rolado uma história de que ela faria um filme baseado na vida de ninguém menos que Dinah Washington. Não rolou, ao que tudo indica porque a família de Washington não entrou num acordo.
Chegou ao ponto de ela gravar uma música, Do You Know Where You’re Going To, e ela de repente ser engavetada porque Diana Ross, a grande estrela da Motown na época, ia lançar uma versão dela como parte da trilha sonora de Mahogany, um outro filme da Motown! Mas aí aconteceu uma reviravolta…

diana-ross-thelma-houston.jpg

Queriam uma sequência para o sucesso de Diana Love Hangover, de 1976. Aí apareceu Don’t Leave Me This Way para ser retrabalhada numa pegada mais disco, caminho que Love Hangover já indicava do meio para o fim para Diana com suas batidas dançantes. Não foi o que aconteceu: por algum golpe do destino, sorte ou azar, a música acabou sendo uma aposta para Thelma. E assim surgiu um dos maiores clássicos da disco music:

O ultrahit rendeu Grammy para Thelma Houston. Mas isso foi bom ou ruim? Thelma acabou conhecida como uma one hit wonder, coisa que não faz jus ao seu talento. E Diana, se tivesse gravado a música, talvez ficasse muito atrelada à era disco e sofreria as consequências do boicote ao estilo que veio depois, e que provavelmente atingiram Thelma. Todo artista disco foi considerado cafona, comercial demais, em questão de uma virada de década. E já discuti bastante aqui, espalhado pelos outros posts: a rejeição tinha muito a ver com racismo e homofobia.

Os gays, no entanto, nunca esqueceram o quanto essa versão da música com Thelma Houston bateu forte neles na pista de dança. Mais sobre isso a seguir - antes, um prodígio chamado Jimmy Somerville pegaria o hit estadunidense e o chamaria de seu, sendo que ele… é um inglês branquelo e calvo. Mas que voz, senhoras e senhores. A dupla Communards, formada por Jimmy e Richard Coles, injetou synth pop na parada e chamou a cantora Sarah Jane Morris, até então mais teatral (tipo Bertold Bretch e Kurt Weill, saca?), para fazer uma versão de Don’t Leave Me This Way em 1986 que soou ressignificada:

A revolução vai rolar na pista de dança! Ou mais ou menos isso? O nome Communards vem dos revolucionários da comuna de Paris de 1871 (!!!) e a música Don’t Leave Me This Way é dedicada, no encarte, a ninguém menos que o Great London Council, que na época estava sendo dissolvido e substituído pelo London County Council. O conselho cuidava de serviços para o cidadão da área da Grande Londres como bombeiros, prevenção de enchentes, e também dividiam responsabilidade com conselhos de bairro sobre áreas de lazer, planejamento urbano e por aí vai.

Mas o mais importante: Jimmy e Richard eram assumidamente gays. E nos anos 1980 em Londres, assim como em outras cidades ao redor do mundo, a comunidade gay enfrentava um pesadelo: a AIDS. Don’t Leave Me This Way ganhava uma nova camada de sentido. Era um apelo para o não-abandono de soropositivos e de todo um grupo que estava ameaçado.

Com isso, a versão de Thelma também acabou resgatada. Ganhou remix em 1995 bem poperô, inclusive:

Entre fim de 1990 e começo de 2000, a disco music começou a ser revista e revalorizada. Thelma começou a reaparecer em turnês que resgatavam artistas da época, mas sinceramente, na minha opinião, ela segue menos respeitada do que deveria e com menos sucessos do que poderia.
Um dos últimos registros de Thelma em gravação é… Bobby, Don’t You Think They Know?, do disco I Am Not a Dog on a Chain do controverso Morrissey!

A música não foi bem recebida - muito porque Morrissey hoje em dia não é o tipo de pessoa que os críticos elogiam facilmente. Primeiro porque é difícil se equiparar com clássicos que ele fez antes, segundo porque suas opiniões políticas são, para dizer o mínimo, toscas.
Quanto à letra, ela é meio aberta a qualquer coisa - não dá para pescar. E pelo fato dela ser até nonsense, você consegue encaixar qualquer coisa ali, inclusive um Bobby enrustido.

Mas voltemos para Don’t Leave Me This Way. Essas versões sobre as quais falei aqui não são as únicas que existem, longe disso. Entre as outras, acho que é digna de nota… essa aqui:

Casada com Johnny Halliday nessa época e portanto formando o casal celebridade mais-mais da França, Sylvie Vartan havia se reinventado depois do yé-yé dos anos 1960 para se transformar em uma disco diva. Eu adoro! Essa versão é de 1977, ao vivo, portanto na esteira do sucesso de Thelma.

Se você gostou desse post, também pode gostar desses outros:
. O que aconteceu com Irene Cara?
. A lista de músicas mais tristes para dançar
. Akihiro Miwa: um ícone queer do Japão

O que aconteceu com Lady Zu, Miss Lene e Sarah Regina, o trio das rainhas disco?

in

Bom, sempre existiu a Gretchen (eu amo dizer começar um post com uma frase mentirosa, porque na verdade Maria Odete nasceu em 1959 e Gretchen lançou seu primeiro grande hit, Freak Le Boom Boom, lá por 1979 – e sempre é tempo demais, né?).
Estou falando disso para, antes de mais nada, justificar o título desse post. Hoje acho que a gente considera a Gretchen algo que não é exatamente uma rainha de disco music brasileira: primeiro porque acho que os maiores hits dela não são exatamente disco music, é música pop dançante que mistura alguns poucos elementos de disco com outras coisas. E segundo porque sinceramente tenho a impressão que a maioria das pessoas que compartilha memes da Gretchen a conhece mais como personagem de meme do que exatamente pelos hits. Mesmo que a garotada de 20 anos conheça o Melô do Piripipi ou Conga Conga Conga, é em outra pegada. Não é a música que se espalha pela internet, é o rosto carismático daquela que, sim, já foi uma das maiores vendedoras de disco do país.

Então, quem são as rainhas da disco music brasileira? Pode ter gente que ache ruim eu ter deixado de fora Elizângela ou mesmo a intérprete de uma das minhas músicas preferidas da disco music brasileira, a Brenda. O fato é que ambas só tiveram um hit de disco music: Elizângela com Pertinho de Você e Brenda com Sábado que Vem. Então escolhi outras três por um conjunto de competência, alcance e, er… élan?
Se não concorda, tudo bem, pode discordar aí na sua casa. Paciência.
Para mim as rainhas da disco music brasileira são: Lady Zu, Miss Lene e Sarah Regina.
Obs.: Sidney Magal é o rei (Ronaldo Corrêa, um dos Golden Boys, deveria dividir essa coroa se o mundo fosse justo, mas não é e ele nunca chegou a fazer tanto sucesso em carreira solo).

Depois dessa longuíssima introdução de claramente alguém que ficou muito tempo sem escrever no próprio blog e esqueceu como é bom ser objetivo, vamos à pergunta: afinal, o que aconteceu com Zuleide, Frankislene e Sarah? Olha… leia até o final porque eu prometo, a última história é surpreendente e me deixou DE CARA.

Eu olhei para Lady Zu e disse: artista

lady zu.jpeg

Vamos falar bem claro: Lady Zu é uma baita cantora. Tem voz, tem técnica, é impressionante. E no começo também tinha repertório.
O que pouca gente sabe: Zuleide Santos Silva era artista mirim. Chegou a participar ativamente de programas de talentos infantis que aconteciam em SP e fez aulas de canto. Aí cansou. Na adolescência, começou a se encantar pelo mundo das artes e entretenimento de novo. Batalhou por um espaço com a cara e com a coragem, batendo na porta de gente importante até conseguir uma chance na Phonogram com Marcos Maynard, o cara que depois ainda estaria por trás dos sucessos do RPM e Ritchie, para citar apenas dois estouros de vendas.
Maynard pediu música no estilo disco para Paulinho Camargo e para Totó Mugabe. São elas que formam o primeiro compacto da rebatizada Lady Zu – por Roberto Menescal, dizem, que fazia parte do time da Phonogram.
Paulinho faria outras músicas disco depois: para Cornélius, por exemplo, e Dudu França. Mas foi essa primeira que realmente explodiu. A Noite Vai Chegar entrou na trilha sonora da novela Sem Lenço Sem Documento e vendeu que nem água.
E qual era a de Totó? Eu Prefiro Dançar é muito boa, mais black ("pega-se um livro bom / ou se toma alguma coisa para adormecer / eu prefiro dançar, yeah!" - como resistir?) e acabou de fora do primeiro disco de Lady Zu (e não devia!). Totó é um dos tantos elos perdidos da black music brasileira – se a gente já não valorizava direito Cassiano, Tim Maia, Gerson King Combo, Wilson Simonal, o que diríamos de Totó… Mas o cara era BOM. BOM DEMAIS.

Totó já estava por aí fazia tempo naquele fim dos anos 1970. Em 1972, já tinha rolado uma tentativa de carreira enquanto cantor no Totó & Cia Ltda. com Mãe Preta:

Mesmo antes disso, Totó já era compositor gravado. Talvez a principal música nessa época composta por Totó era Não Creio em Mais Nada, gravada por Paulo Sérgio em 1970 e que lembra a fase soul de Roberto Carlos. É muito boa, de verdade. Play:

Mas sinceramente, me parece que Lady Zu foi a maior intérprete de Totó.
E Totó e Paulinho foram os principais compositores de Lady Zu nessa fase áurea dos dois primeiros álbuns dela. O primeiro, lançado ainda em 1978 para aproveitar o embalo do sucesso do compacto, é um clássico imperdível.

E o segundo, de 1979 e batizado de Fêmea Brasileira (a música homônima é de ninguém menos que Marku Ribas), ainda conta com composições de Paulinho e Totó. Totó também participou cantando do primeiro single, um delicioso samba soul chamado Hora da União.

Que mais? Chegou Luis Vagner para fazer outro dueto (em Boneca de Pixe de Ary Barroso e Luís Iglésias, outrora do repertório de Carmen Miranda e de repente atualizada com tons jazzísticos). Vagner já tinha composto uma do álbum anterior, Eu Queria Falar Com Você, em parceria com Tom Gomes. E o álbum fecha com… A Banda, de Chico Buarque! Em ritmo de disco music, isso mesmo!

Lady Zu diz que continuou fazendo shows, que a coisa para ela nunca ficou necessariamente ruim no âmbito profissional. Mas o fato é que a disco music acabou, escurraçada. Acho que já falei por aqui sobre isso, né? Tinha um fundo (para não dizer uma frente) homofóbico e racista nessa rejeição absoluta ao estilo musical, para além da exaustão dessa dominação nas rádios. (O sertanejo domina, continua dominando, até se renova mas… nunca cansa, mesmo superexposto, né? Então tem caroço nesse angu.)
Nos anos 1980, chegou o BRock de classe média branca para balançar todas as estruturas, mas quem continuou reinando de fato foi Roberto Carlos, cada vez mais romântico.

Em 1988, o disco-projeto Alma Negra resgatou uma turma da soul music brasileira, com artistas incríveis reponsáveis por uma ou mais faixas. Lady Zu, que nunca foi estranha ao soul (Só Você, por exemplo, por mais que tenha um instrumental superdisco, tinha uma estrutura melódica bem soul), participou com Junto a Mim e Vou Vivendo, ambas de Frankye Arduini (da dupla com Tony Bizarro, Tony & Frankye, considerados percussores do soul no Brasil). Com Zu, estavam no projeto o próprio Tony Bizarro, Tony Tornado, Carlinhos Trompete e aquele mesmo Luis Vagner que participou de Boneca de Pixe.

Nem preciso dizer que Alma Negra é raríssimo, né?

Lady Zu só lançou um novo disco solo em 1989. É o Louco Amor, e ela deve ter gostado do romantismo soul que experimentou em Alma Negra porque esse álbum todo também namora esse estilo. De Totó, nem sombra (tentei achar a data em que ele morreu e não consegui, mas é provável que ele já tivesse morrido na época, porque a gente só identifica composições novas dele gravadas até o começo dos anos 1980). De Paulinho, Louco Amor tem apenas uma regravação de A Noite Vai Chegar.
Esse trabalho, com seus arranjos sintetizados e suas baladas, está bem de acordo com um estilo radiofônico popular de sua época. Junto a Mim, do Alma Negra, também estava aqui, assim como Contrato Assinado de Chico Roque e Paulo Sérgio Valle, que é tão a cara de Sandra de Sá que… acabou regravada por Sandra de Sá em 1991, no disco Lucky!.

Louco Amor é o único disco solo de Lady Zu que não está no Spotify.

Mais uma década passou. Em 2001, os dois primeiros álbuns da Lady Zu finalmente receberam reedição em CD e ela começou a ser redescoberta por um novo público. A cantora voltou para os braços da música dançante em 2002 com Number One. Entre regravações e novidades, ela também não esqueceu do soul dos anos 1980 (o que faz sentido tanto na sua carreira quanto para a época, que tinha bastante R&B nas paradas).

Aí você pergunta: certo. Mas e hoje? Como está a Lady Zu hoje?

Eu te digo: está ótima. Se quiser, dê um play aí e comprove por si mesmo:

Sim, como eu disse ela sempre teve uma voz incrível. É surreal que ela não seja celebrada como merece. Na segunda parte dessa entrevista do vídeo, ela faz uma reflexão bem contundente e pede para que não digam, quando ela morrer, que ela "vai fazer falta" – porque ela acha que as pessoas precisam perceber o valor dos artistas em vida e não adianta tentar valorizá-lo quando ele não puder mais colher os louros.

Justiça para Miss Lene

miss-lene.jpg

Uma das coisas que eu mais tenho curiosidade de escutar na vida é da Lena e da Leda. Nunca achei nada. Elas chegaram a se apresentar na Tupi, extinta rede de TV, no programa Show do Mercantil que era gravado (ou era ao vivo, não sei) em Fortaleza.
E o motivo de eu ter tanta curiosidade é que as irmãs Lena e Leda eram na verdade Frankislene e… putz, não sei o nome real dela, mas o artístico foi Mary Jô.
Essa Mary Jô:

Frankislene, que depois virou Miss Lene, e Mary Jô eram irmãs de verdade. Mary só lançou um compacto, com Tempo de Sorrir e a ótima Dance Livre, em 1978. "Hoje a noite vou sair para dançar / e quem sabe eu possa encontrar / o carinha que um dia me falou / que dançando eu posso encontrar o amor / por isso danço livre!” Quem resiste a essa letra?

Mary Jô virou advogada.

Já Miss Lene fez muito sucesso também em 1978 com Quem é Ele e Deixa a Música Tocar.

Na ficha técnica do primeiro disco de Miss Lene, homônimo e lançado em 1978 mesmo, consta Fernando Adour na direção de produção com William Luna – ele também compôs duas músicas do lado B, É Só Você com Simonelli e Agora Eu Sei sozinho.
Adour depois produziu o começo da fase pop de Guilherme Arantes tipo Planeta Água e eu juro que isso é relevante mais para frente, segura essa informação. Entre outras coisas, ele também é quem assina a produção de nada mais, nada menos que o CD ao vivo da Banda Eva, aquele clássico de 1997. Eu sei que você lembra.

Mas outro nome que me chama a atenção é o do compositor Fernando Santos, que assina Não Vou Me Grilar (sozinho), É Só Mexer (com Carlos André) e Quem É Ele (com Betto Douglas).
Você sabe quem é Fernando Santos?
Deveria… Prepare-se para mais uma digressão desse seu querido blog:

Santos é daqueles capítulos da música pop brasileira que seguem perdidos. Como cantor, lançou dois discos, ambos em 1978. O primeiro é inteiro em ritmo de disco music e com temática umbandista.
É isso mesmo. Disco music umbandista. É uma das coisas mais maravilhosas.

A notícia boa é que ele até está presente no Spotify, mas a ruim é que o disco que está disponível não é o de disco music e sim o outro de 1978 (creditado erroneamente como se fosse de 2005). Não me entenda mal, ele não é ruim. Mas claro, o que a gente queria ouvir sempre é essa, digamos, fusion.
Me parece que a ideia de misturar disco music com umbanda foi de, adivinha, Carlos Imperial. É a cara dele. E quando ele apresenta Fernando no seu programa, ali no vídeo de Omulu, dá a entender que está bem envolvido.
Então, já sabe: se ver essa capa por aí, é para comprar e me dar porque sou um cara muito legal >>

fernando-santos.jpg

(Eu disse que esse post ia ficando cada vez melhor)

OK, voltando a Miss Lene. O segundo álbum dela, de 1980, é uma tentativa de se desvencilhar da disco music que já estava ficando saturadíssima.
E é outra preciosidade que, se você ver dando sopa, também serve de presente para esse humilde escrivão que vos fala.

Então vamos lá: Fernando Adour seguia ali e fez algumas versões para esse repertório como A Carta (de The Letter, lançada originalmente pelo The Box Top em 1967 e depois regravada por Joe Cocker em 1970) e O Homem (uma versão absolutamente incrível de The Man With The Child in His Eyes de Kate Bush!) e também assina as originais O Tempo Chegou (com Aloysio Reis) e O Princípio e Fim (sozinho).
O outro Fernando sumiu.
Outros compositores destaque do disco são Márcio Greyck, que também era próximo de Adour pelo que entendi, com Chega Mais (que não chega a ser disco music mas é meio samba funk); Tim Maia com Sinal de Desejo, música que era inédita e nunca mais foi gravada (é ÓTIMA); e… Guilherme Arantes. Eu disse que era para lembrar dele. Ele deu a também inédita na época Vivendo Com Medo, que já teve duas regravações obscuras, uma com Marya Bravo e outra com Netinho (não o do pagode, outro).
Vivendo Com Medo é surrealmente incrível principalmente porque foi lançada em pleno comecinho de abertura, né? Você pode imaginar o teor da letra, quase político e superpop.

Miss Lene ainda chegou a gravar alguns compactos depois dessa maravilha que flopou. Em 1983, rolou seu último single, dançante, funkeadíssimo, chamado… Dance!

Bom. Aí Miss Lene casou com um empresário suíço que ela conheceu em um show e foi morar na Europa. Depois, conheceu um outro amor por lá e teve uma filha.
A história acabou?
Não.
Ela se separou.
Por volta de 2012, isso apareceu:

Isso mesmo.
Volta a fita.
Láááá no começo da carreira de Miss Lene, ela era chamada de Tina Charles brasileira (assim como Lady Zu era chamada de Donna Summer brasileira). Só que Lene realmente tinha autorização registrada para cantar as músicas de Tina no Brasil. Tipo "cover oficial". Ou seja, é incrível que ela tenha gravado uma versão forró (Frankislene é cearense) de I Love To Love (talvez o maior sucesso da carreira de Tina).

Agora, Miss Lene está no Brasil ou na Suíça? Não faço ideia. A gente encontra vídeos recentes dela tanto aqui quanto lá. O que eu acho é que ela está na Europa e uma Michelle, que é parente dela e tem um canal de YouTube, subiu faz alguns meses esse vídeo aqui:

Michelle é sobrinha na fala de Miss Lene nesse vídeo. Mas também é o nome da filha dela! Que confusão, né? Risos! Não dá para saber qual é a dona do canal do YouTube.
(E se você achou a Miss Lene muito nova no vídeo, é porque ela começou muito nova mesmo!)

Sarah Regina, a voz que você continua ouvindo

Consta que, segundo Mister Sam (o produtor dos primeiros anos de ouro da Gretchen), ele namorava Sarah Regina antes de ter começado a trabalhar com a Gretchen, ela cantava bem e tal, então rolaram essas primeiras gravações em 1978. Entre elas, a de Amor Bandido. Adivinha quem é o compositor? Paulinho Camargo, em parceria com Max Jr! Que tal?

No começo, ela assinava apenas Sarah. Saiu um EP nessa mesma época que se chamava A Última Dança (também título de uma versão bacanuda, linda, de Last Dance do repertório de Donna Summer) e contava com outro hit, Deixe Todo Esse Amor Pra Depois:

(Sabe quem regravou Deixe Todo Esse Amor Pra Depois em 2004? Pois é, coleguinha… Simone e Simaria!)

Bom, todas essas coisas produzidas pelo Mister Sam ficaram no passado quando ele encontrou o sucesso gigantesco com a Gretchen e Sarah, por sua vez, seguiu em frente com o LP Felina de 1982. Ela mesma diz que não queria cantar disco music e seu sonho era ser uma cantora de MPB – dá uma olhada nessa entrevista.

Felina continha Sombras, da trilha sonora de Os Ricos Também Choram do SBT. E já não tinha nada a ver com disco music.

Acho que o nome-chave que aparece entre os compositores aqui é Mário Lúcio de Freitas. Ele é o autor de 6 das 12 músicas e ainda fez a versão de duas (People, do musical Funny Girl, virou A Versão Que Ficou; Sweet France, do flautista Zamfir, ganhou letra e virou Só).
Mário foi casado com Sarah (não sei em que ano eles se casaram, exatamente). Ele virou um importante produtor de áudio, músicas de abertura de programas, jingles, dublagem – é o dono do Gota Mágica. Os brasileiros fãs de Chaves sabem: ele é a voz do Godinez! Então, tanto Mário quanto a própria Sarah começaram a enveredar cada vez mais para esse mundo da música da TV.

Ainda na carreira de cantora, Sarah lançaria, por exemplo, um compacto com A Turminha Levada da Breca que era da trilha sonora da novela infantil Chispita e incluía Anjo Bom e A Família.

"Um anjo boooooom / faz falta"
(Ferrou, vai ficar na minha cabeça por uma semana)

A verdade é que a voz de Sarah acabou emprestada para mil coisas. Mil coisas mesmo. Tipo… a Jem. Da Jem e as Hologramas.
Sim, a voz na música em português de Jem é de Sarah Regina.

Eu sei, você já foi fã da Sarah Regina e nem sabia, né?
Uma curiosidade: nesse vídeo aqui de Um Animal Selvagem, das Desajustadas, a banda rival das Hologramas, dizem que a gente escuta a voz de… Lady Zu! Em teoria, ela era a "voz de cantora”de Urânia. E Sarah fazia os backing vocals das Desajustadas também, então talvez esse seja o único registro do encontro entre duas rainhas da disco music brasileira!!!
Só que eu não acho a voz da Urânia muito parecida com a da Lady Zu, a menos que ela tenha caprichado na interpretação com uma dicção diferentona. Parece alguém forçando a voz para ficar mais grossa.
O Miguel Andrade já falou no La Dolce Vita que é isso mesmo, Lady Zu é Urânia. Eu sei lá. É que consigo identificar muito mais a voz da Sarah, gente, desculpa.

Sobre Sarah: não acabou aí. Abertura clássica de Cavaleiros do Zodíaco? Sarah Regina estava lá com Mário, Sueli Gondin e Rubinho Ribeiro. A Lenda da Luz da Lua, CRÁSSICASSO de Sailor Moon? Sarah. Mas essa daqui eu cheguei a lacrimejar quando descobri que era ela – e o melhor, parece mesmo a Sarah, dá super para reconhecer:

Ah, gente! Se mexe com Sakura Card Captors, mexe também com o nosso coração <3

Esse post foi uma homenagem a essas maravilhosas cantoras que ainda não possuem o reconhecimento que merecem.
Quem gostou desse, pode também curtir esses outros:
. Outra cantora de disco music brasileira (e que na verdade é gringa!): Brenda
. Um monte de disco music brasileira
. O gênio do pop Mister Sam