O smartphone do irmão do Pablo Escobar (e sua propaganda sexista)

Diz aí, tem título mais chamativo que esse hoje?
(Talvez tenha)
Para quem não sabe, o irmão do traficante Pablo Escobar, Roberto Escobar, lançou um celular nesse mês. É o Escobar Fold 1, que vem com - olha o choque - o logo de Pablo Escobar em si!

Tem cheiro de fake news mas É REAL

E sim, ele é um smartphone dobrável. E muito mais barato que os celulares desse tipo lançados anteriormente: o preço do Royole FlexPai, que vem a ser extremamente parecido com o Escobar Fold 1, é cerca de US$ 1.320. O Escobar Fold 1 em si sai por cerca de US$ 350. Quase mil dólares a menos!

Bom, não existe celular mais masculinidade tóxica no momento. Dourado como um medalhão pendurado no meio do peito cabeludo e com o logo do que já foi um grande cartel de drogas, fica claro o público para o qual o produto está dirigido. Mas caso não tenha ficado claro, bem, a propaganda o fará:

Victoria's Secret, vem aqui buscar a sua vergonha!

Sim, pois a marca de lingerie Victoria's Secret tratou de cancelar seus desfiles anuais depois de tantos cancelamentos que sofreu, mas os celulares Escobar, bem, esses seguem firmes querendo conquistar os homens heterossexuais pelo pinto pois NÃO É POSSÍVEL.

Tudo sempre pode piorar se você vê OS OUTROS VÍDEOS.

Não é possível, né?

Eu fico quase sem ar de tanta exasperação!

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A Trilogia da Rapariga

Trilogias fazem parte do nosso imaginário cultural e a gente adora. A série Millenium. Jogos Vorazes. De Volta Para o Futuro. Matrix (que inventaram de fazer um quarto, fazer o quê). Os primeiros Star Wars (e a lógica de serem sempre conjuntos de 3 filmes).

E tem a Trilogia da Rapariga. Você que amou Amor de Que da Pabllo Vittar mal sabe que tudo tem uma origem, meu amor. Com vocês… Sirano & Sirino, mais uma referência que vos trago do meu Ceará.

Sirano começou carreira solo em 1982 e, em 1988, formou uma dupla com o irmão Sirino. Lá em 1999 eles já flertavam com a música que se refere à prostituta, meio que atualizando Odair José para o forró, em Mulher de Cabaré.

Machista? Sim. Mas isso não faz parte da trilogia ainda, calma pra tu ver.

Em 2003 sai o álbum Amor de Rapariga é que é Amor (eu juro que o nome é esse), cuja primeira música, logo de cara, é Amor de Rapariga / Ele Vai Voltar, o maior sucesso deles até hoje.

A gravação na verdade é ao contrário: começa com Ele Vai Voltar e a primeira música da trilogia na minha concepção de narrativa, Amor de Rapariga, chega depois. kkkk Sei lá, para mim o storytelling fica errado se começa com a outra. Então aqui vou colocar outra versão, dos irmãos com Aviões do Forró, na qual eles começam por Amor de Rapariga em si:

Amo esses versos: “Ela não é santa, tu também não é / É Julia Roberts, Uma Linda Mulher / Não é estressada como você é / Não é abestada, entenda como quiser”. Na sequência tem outra música que não faz parte da trilogia.

A ideia é que a rapariga (sinônimo de amante, a outra, no norte e nordeste) é melhor que a esposa. E na música, o cara está se dirigindo à esposa em si, dizendo que a amante é melhor que ela! Fala que com a amante não existe briga, que é mais tranquilo.
A "cultura da rapariga” ainda é resistente na sociedade nordestina, quase como uma instituição. Normaliza-se a existência dessa relação (não legalmente, mas socialmente sim). Parece que faz parte do drama: o homem tem outra, reclama-se e briga-se, e surpreendentemente não se separa. Aliás, como em toda sociedade machista, culpa-se a outra. Dá para perceber bem isso na segunda parte, que acabou confundida com o título Amor de Rapariga por causa do seu lançamento no disco mas que na verdade chama Ele Vai Voltar ou Amor de Rapariga Não Vinga Não (e a versão do marido é chamada de Amor de Rapariga É Bom Demais para diferenciar). A confusão aumentou ainda mais quando no álbum Dando Banho de Gato (2004) Sirano & Sirino gravou uma segunda versão (melhor!) mas na mesma sequência, com Ele Vai Voltar primeiro, e somente com o título Amor de Rapariga! Escute abaixo a versão da banda Mulheres Perdidas para Ele Vai Voltar.

“Tire o meu nome da sua boca" - começa assim, pense! Mas, como eu disse, é da esposa para a rapariga em si, o que não faz o menor sentido, né? É petulante ("Tô esperando ele / rindo de você") e submissa (“Eu sei que ele pra mim vai voltar / É uma questão de tempo ele te deixar"). E a premissa de que todo homem quer uma mulher só sua? Enfim!

Mas aí vem a consagração. A melhor coisa. Que é a Resposta da Rapariga, também conhecida como Amor de Rapariga (A Resposta) - ouça também com Mulheres Perdidas!

A rapariga também responde para a esposa - afinal a esposa se dirigiu a ela. E fala coisas incríveis, do tipo “não me ligo em ninguém, eu gosto mais de mim" e "eu só quero te dizer que a culpa não é minha / os homens são iguais, por isso estou sozinha". Tem uma frase que eu acho que meio que caga: “essa é a minha sina, tente entender", como se fosse só uma questão de destino sem poder de escolha. A música acaba em tom de ameaça: "não deixe seu marido vir me procurar".

A melodia das 3 tem coisas em comum, e claro, é proposital. Quase uma ópera-forró! Odeio musical mas assistiria. Imagina?! Fica aqui registrado o meu amor pela Mulheres Perdidas, que é do mesmo grupo do Calcinha Preta (e aliás foi batizado com o título de uma música do Calcinha Preta).

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Os monstros de Joon-ho Bong antes de Parasita

Parasita (2019) é um dos grandes filmes do ano, acho que a maioria das pessoas já concordou com isso. Certo? Ele está entre os pré-finalistas do Oscar de Melhor Filme Estrangeiro (ao contrário do nosso A Vida Invisível de Karin Aïnouz) e ainda recebeu uma pré-indicação surpresa por Melhor Canção Original com 소주 한 잔 (tradução: um copo de soju).

Gostou do meu coreano, né? (Copiei de um lugar, nem sei se está certo) Play para ouvir!

Soju, para quem não sabe, é o mé coreano. A birita. A caninha. Destilado, ele é feito ou de arroz, ou de trigo, ou de outra coisa e também é bem comum encontrar o de batata doce. Non mi piace, mas tem aos montes em vendinhas no Bom Retiro ou na Liberdade, para quem quiser experimentar.

Acho a música bonitinha, mas duvido que ganhe de coisas como Spirit de Beyoncé (xarope mas tem a cara do Oscar) e (I'm Gonna) Love me Again do Elton John. O Oscar é muito cafona, aceita. Mas que ia ser babado uma música coreana ganhar, olha, ia mesmo. Se eu fosse do time de produtores-criadores da cerimônia, tacava logo um BTS cantando a música para a audiência ser a maior da história! kkkkkkk

Mas estou aqui para falar dos monstros.
Joon-ho Bong fez bastante coisa antes de chegar aqui. Inclusive um filme hollywoodiano, Expresso do Amanhã (2013). E tem dois no catálogo da Netflix que vale a pena dar uma olhada, se é que você já não olhou. Eles possuem coisas em comum: contam com bichos grandões criados pela estupidez humana: um pela arrogância e irresponsabilidade, outro pela ganância inescrupulosa. Ambos também tem muita ação, daquele tipo que te deixa na pontinha da cadeira e o olho arregalado de ansiedade, mas subvertem a lógica dos filmes de ação "de machão", com homens musculosos e rajadas de bala. É interessante perceber que no universo de Bong essa masculinidade tóxica não tem vez - ela parece não fazer sentido na sociedade sul-coreana, pelo menos no que a gente percebe como ocidentais leigos. Parece-me que a valorização maior é da sensibilidade e astúcia. Mas posso estar falando a maior bobagem, hein! É apenas uma percepção de quem acompanha mais ou menos os fenômenos culturais vindos de lá.

Vamos começar pelo filme mais antigo desses dois: O Hospedeiro, de 2006.

Para começar, não dá para deixar de notar paralelos entre a história de O Hospedeiro e o clássico nipônico Godzilla. O monstrão que deu origem aos filmes de kaiju tem uma história de origem envolvida em ecologia e no uso indiscriminado de energia nuclear. Ele é o incompreendido, a reação da natureza contra a ação do homem. Um ser mutante, radioativo, que virou parte de uma mitologia contemporânea pop.

O hospedeiro, que nunca ganha um nome oficial na trama, também é fruto de uma mutação: um funcionário coreano do que parece ser um laboratório médico militar é obrigado por um superior ocidental bem displicente com regras a despejar produtos químicos perigosos pelo ralo. Esses produtos, via esgoto, vão direto para o rio Han (o maior rio da Coreia do Sul). Depois, um homem vê algo se mexendo no rio Han antes de se jogar nele e cometer suicídio. Esse homem realmente morreu? Ele virou o monstro, em uma mutação com os peixes do rio que também estão ficando esquisitos, com mais de um rabo? Ou ele foi devorado pelo monstro já formado? O diretor se inspirou em uma notícia real sobre um peixe pescado no próprio rio Han que tinha a espinha em forma de S.

Corta para 6 anos depois: um bichão horroroso que lembra os monstros da mitologia do Stranger Things (mas veio antes) surge no rio Han e faz a maior zona, matando algumas pessoas, ferindo outras. Ele tem o costume de levar corpos para uma espécie de covil (daí vem o nome do longa; ele é o hospedeiro no sentido de ser o anfitrião desses corpos). E ele acaba levando o corpo da menina Hyun-seo Park (Ko Asung), filha de Gang-Doo Park (Kang-ho Song, que você conhece de Parasita como o pai da família pobre).

Ela é dada como morta mas sobreviveu e consegue contatar a família lá do covil por celular. Agora, os Park querem salvar a menina - mas o problema é que o governo quer conter o hospedeiro de qualquer jeito, usando até arma biológica, e ele acredita que todos que entraram em contato com o bichão podem ter contraído um vírus.

Gang-Doo e Hyun-Seo

A saga de Gang-Doo, seu pai e seus irmãos para conseguir salvar a menina passa por diversos subtextos sem ficar cabeça, entretendo. Existe o descaso das autoridades com as vítimas e os sobreviventes, a corrupção, o amigo entregando outro amigo para a justiça, o pobre que precisa se virar para sobreviver. Como contraponto temos o amor incondicional do pai e da família pela menina em perigo e um personagem que aparece pouco mas que diz tudo: o mendigo que ajuda Nam-il Park (Hae-il Park) sem esperar recompensa. Ele chega a brigar com Nam-il quando esse sugere dar uma recompensa em dinheiro.

E aí tem a adorável parábola Okja (2017), que eu não chego a considerar um filme hollywoodiano mas é um híbrido entre Coreia do Sul com EUA que conta com superestrelas (Tilda Swinton, Jake Gyllenhaal) e atores coreanos (caso específico da menina protagonista, Ahn Seo-hyun).

Você provavelmente já ouviu alguém dizer que virou vegetariano ou vegano por causa de Okja. Faz sentido mesmo. Mas também é engraçado porque o filme, ao mesmo tempo que apresenta a sede inconsequente por lucro da indústria alimentícia, também mostra a militância vegan como ingênua e um tanto desorganizada.

Okja e Mija (Seo-hyun)

Resumidamente: a fazenda onde Mija vive é uma das escolhidas por uma corporação para criar Okja, um dos superporcos que ela fez nascer de uma porcona mãe. Para a empresa, ela é a fonte de produtos alimentícios deliciosos. Para Mija, Okja é sua melhor amiga. Chega a hora da Mirando Corporation pegar Okja, que já está bem enorme, para um concurso de o maior superporco. Ela deve ganhar. Mas Mija não se conforma e parte em uma aventura para salvá-la, mesmo que seu avô diga que Okja foi criada com um destino pré-estabelecido: morrer e virar comida. Para ajudá-la, surgem militantes de um grupo que luta pelos direitos dos animais.

No palco com o inimigo: Lucy Mirando (Swinton) e Mija. Esses looks à moda coreana são nada menos que… Chanel. Tá, meu bem?

Com um enredo envolvente mas bem simples, o filme se move no amor de uma criança pela sua amiga. E a gente fica convencido desse amor porque Okja é de fato muito carismática, com olhos expressivos, fofa tal qual um Totoro realista. Aí está o segredo e também a sina da produção: então só dá para deixar de comer carne pela empatia? Não é o princípio que faz Mija entrar em ação.

Entendi que todo mundo gostou da interpretação de Gyllenhaal no filme. Achei meio exagerada demais, histriônica. Até funciona, mas sei lá, né?

A melhor cena do filme: a perseguição no centro de compras! Kkkkkkkkkk

Uma das coisas mais instigantes para mim é que, depois de O Hospedeiro e Okja, Bong tenha feito um filme chamado Parasita no qual… não existe um monstro. É como se agora ele reconhecesse que os maiores monstros somos nós mesmos. Sem metáforas, mais realista. Você pode ler mais sobre o que achei de Parasita nesse post aqui.

Pintaram rumores sobre uma sequência de O Hospedeiro mas faz tempo. Nada aconteceu desde então. Acho difícil que aconteça - mesmo sem Joon-ho Bong. Mas eu queria ver? Olha, até queria! kkkkk

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Resgate de uma musa brasileira: Vanja Orico

Acho esse papo de que o Brasil não tem memória um pouco generalista e exagerado, mas em alguns pontos ele é bem certeiro.

Um exemplo é Vanja Orico. Importantíssima, musa do Ciclo do Cangaço no nosso cinema nacional, depois cantora, depois cineasta - agora pergunta para sua mãe se ela sabe quem é? Provavelmente não lembra. Pois.

Vanja morreu em 2015 por causa de um câncer no intestino. Seu filho Adolfo Rosethal, que é diretor e produtor, está fazendo um docudrama sobre Vanja, Vanja Orico - Ao Arrepio do Tempo. A previsão de estreia é no fim de 2020, mas enquanto isso a gente relembra de Vanja por aqui.

E sabe como foi a estreia de Vanja no cinema? Meu bem… segura essa:

Nada mais nada menos que Mulheres e Luzes, o primeiro longa de Federico Fellini, no qual ele dividiu a direção com o mais experiente Alberto Lattuada. Em 1950, Vanja ganhou uma bolsa em um concurso de música para estudar na Itália. Aí ela viu uma filmagem acontecendo na rua e ficou lá, embasbacada. A irmã de Lattuada a observou, chegou nela, e acabou levando-a para Fellini. Aí ela disse para ele que não queria só ser figurante, que queria cantar. E surgia a cigana Moema que você vê no vídeo acima, cantando Meu Limão Meu Limoeiro!

Mas estouro mesmo foi a participação dela em O Cangaceiro (1952), o filme de Lima Barreto que ganhou uma superprojeção internacional quando chegou em Cannes em 1953. Dizem que o longa disparou uma febre europeia na moda: chique era usar uma roupa com referência ao cangaço, imagina?

Vanja como Maria Clódia

Dá para entender a febre da estética do cangaço: acho maravilhosa a estilização, os símbolos e enfeites que os cangaceiros usavam. Inclusive tenho um livro só disso, que é lindo!

Esse aqui!

Recomendadíssimo como fonte de referência

Vanja faria outras personagens baseadas no universo do cangaço. Inclusive Maria Bonita! Foi em Lampião, o Rei do Cangaço (1964).

Aliás, também recomendo esse livro mais recente

Maria Bonita: Sexo, Violência e Mulheres no Cangaço de Adriana Negreiros traz a história sob a ótica das mulheres

Depois de Lampião, Vanja virou meio da turma do diretor Carlos Coimbra, que fez uma sequência de filmes que são parte desse Ciclo do Cangaço e que vão desembocar, misturados com outras referências mil, no superhit de 2019 Bacurau. Ela participou, em seguida, de O Santo Milagroso e Cangaceiros de Lampião, do mesmo Coimbra.

Abaixo você ouve o terceiro disco dela, de 1964 - tem composições de Jorge Ben (com a música de abertura Dandara), Zé Keti (no mesmo ano em que Nara Leão também o gravava), Roberto Menescal (a linda A Morte do Deus do Sal, que também adoro na versão da Flora Purim lançada no mesmo ano no clássico indispensável Flora é M.P.M.), Lyra e Vinícius (Maria Moita) e do mestre Catulo de Paula (as duas últimas).

Em 1968, um episódio marcaria a vida de Vanja para sempre. No momento chave do enterro do estudante Édson Luiz, morto pela ditadura militar, ela se colocou na frente do exército, levantou um lencinho branco e gritou "Não atirem, somos todos brasileiros".

Vanja ficou presa por 3 dias. Não foi torturada, mas levou “umas pancadas na cabeça".

Vanja no momento do grito em 1968

Além de atriz e cantora, Vanja também se aventurou pela direção com o filme O Segredo da Rosa (1973) e pelo roteiro com Ele, o Boto (1987, dirigido por Walter Lima Jr). Uma mulher com uma história espetacular. Enquanto o longa não sai, Rosenthal colocou esse vídeo no YouTube, confira:

O lugar que a gente queria estar lá por volta de 1967 se fôssemos nascidos

Ah, e me desculpa se você já era nascido em 1967: xennial tem mania de achar que tudo gira em torno dele e que todo mundo é da mesma geração que ele.

ENFIM.
Sabe Pinheiros?
Aqui o post que fiz sobre 4 lugares não-hipsters de Pinheiros.
Aqui outro post sobre 3 lojas na Cônego Eugênio Leite em Pinheiros que são hipsters sim - e são legais.
Aqui o post sobre as sorveterias em Pinheiros.

Mas Pinheiros, meu bem, é pouco perto do que era aquilo.

Sabe Harajuku?
Aqui o post sobre Harajuku, o bairro de Tóquio que ficou superfamoso.

Já leu todos esses posts? Pela atenção obrigado, sua audiência é muito importante para nós.

Mas agora eu queria falar de uma rua chamada King's Road lá em Chelsea, Londres, antes de Chelsea virar o bairro de riquinho de hoje, o local onde fica a Saatchi Gallery.
Foi na King's Road, em 1955, que Mary Quant começou a sua aventura. Você sabe, eu já falei de Quant aqui uma ou duas vezes. Na King's Road que Quant abriu sua mítica Bazaar, uma aventura de jovens com vitrines superinovadoras para a época que se transformou num belo negócio.

A Bazaar era um babado

Moderna, ela antevia a nova atitude da década que chegava: os libertários e tumultuados anos 1960

Tudo começou, na verdade, com um… café. Em 1955, antes da Bazaar, surgia o Fantasie no número 128 da King's Road. Um dos primeiros cafés que serviam espresso em Londres (o pioneiro foi o Moka, de Gina Lollobrigida, na Frith Street), o Fantasie era o lugar para se estar se você era jovem e moderno naquela época. Foi ali que Quant e Alexander Plunkett-Greene, seu futuro marido, decidiram abrir uma boutique na mesma rua. Aberta em novembro, ela gerou um sucesso instantâneo: não tinha mais mercadoria para vender depois de 10 dias! O jeito foi fazer "pão quentinho a toda hora"; Quant criava e vendia, criava e vendia, uma ciranda louca (mais ou menos o que se repetiria em Kensington na Biba de Barbara Hulanicki e Stephen Fitz-Simon 9 anos depois, ali perto).

Não sei se já existia o termo gentrificação, mas os artistas pobrinhos que davam o charme para região tiveram que se mudar para mais longe - mais especificamente para a mesma rua só que mais para frente, em… World's End. Quem sacou, sacou; quem não sacou guarda esse "fim de mundo” que a gente retoma daqui a pouco.

Twiggy na King's Road

Chelsea se transformou no lugar mais legal que tinha. Ou já estava destinada a isso? O Royal Court Theatre existia (e existe) ali perto, no Sloane Square. Era um lugar artístico e boêmio. Mas a Bazaar trouxe outra coisa: o fashion.

Ah, e o Chelsea Palace, ali perto, foi vendido mais ou menos nessa época para a Granada Television. Um dos programas gravados ali, o Chelsea at Nine, tem importância histórica. Várias apresentações incríveis, incluindo uma das últimas de Billie Holiday em 1959, antes da cantora morrer de cirrose.

Ao redor da Bazaar surgiram outras lojas. Nenhuma com a mesma projeção internacional de Quant, mas importantes porque fomentaram uma cena dividida com outra ruazinha de Londres que também é o máximo: a Carnaby Street (na época a Carnaby era bem localizada mas com um aluguel mais em conta).

O movimento ia crescendo na King's Road: Kiki Byrne, ex-funcionária de Quant que se transformou em concorrente, abriu loja colada na Bazaar, no número 136. A moda masculina de John Michael apareceu no 170. E a dupla lotada da pequenina Top Gear e a vizinha Countdown pintaram nos números 135a e 137, já em 1964.

Se você queria comprar uma roupa mara e tinha dinheiro para isso

Era lá que você ia!

Swinging London

ia chegando ao seu auge!

Em 1967, outra revolução estava chegando. Desde 1965, a Hung on You do aristocrata Michael Rainey chamava atenção no número 22 da Cale Street. Depois, em 1967, a butique de moda masculina mudou para a o número 430 da King's Road, já para os lados do World's End (ou seja, relativamente distante do quadrilátero quente da Bazaar e outras). Ela também desvirtuava o conceito do varejo de mostrar os itens na vitrine para estimular a venda: a Hung on You escondia tudo. Pintava sua vitrine bem colorida. Era o conceito da exclusividade: só quem entrasse saberia (e seria surpreendido) pelo que veria por lá.

Misteriosa

A Hung on You exigia um conhecimento prévio: de fora nem dava para saber o que era aquilo

Apontam a mudança da loja, da Cale Street para King's Road, como o começo do fim

A partir do endereço mais "famoso", a Hung on You ia perdendo seu status de exclusividade

O World's End se chama assim e não era à toa. Não existia (e não existe até hoje) metrô na região. Ou você vai de busão, ou você desce numa estação de metrô "meio perto” e anda um tanto para chegar. A Hung on You, ao lado de outras que a gente vai ver a seguir, trouxe a figura do dândi repaginada para os anos 1960: veludo, contas, vintage, motivos étnicos, pelúcia. Tudo entrava na salada. Era o look dos artistas do rock na época (pense nos Beatles na época do Magical Mistery Tour, que não por acaso foi lançado em 1967). Era inventivo, era doido e era o máximo. Mas mais doida ainda era a Granny Takes a Trip!

COLOSSALMENTE COOL: Salman Rushdie, sim, o escritor, sim, ele mesmo, morava em cima da Granny Takes a Trip e é assim que ele descreve a loja no vídeo acima. A psicodelia nas mãos do alfaiate-lenda John Pearse, que usava tecido William Morris de decoração para fazer os paletós e misturava vitoriano e contemporâneo, garantia o ar arrojado. Granny Takes a Trip também ficava em World's End, no número 488 da King's Road, e também fazia da sua vitrine uma tela para artistas. Antes ou depois de Hung on You? Ah, o zeitgeist…

Granny Takes a Trip em 1967: a cara de Jean Harlow estilizada & vetorizada

Portanto a gente fala da nossa mania atual de recorrer ao vintage, dos estilistas voltando nas décadas para criar as modas de hoje, mas na década de 1960 já se fazia isso, e muito. A Biba tinha especial fascinação pelos anos 1920 e 1930. Granny Takes a Trip e Hung on You eram o puro creme do dandismo da virada do século 18 para o 19 - extravagantes, esnobes, mas agora com toques árabes e indianos. Na onda dessas duas, Dandie Fashions era a alternativa mais acessível, tanto em preço quanto em local - King's Road número 161, mais para a Top Gear do que para o World's End.

Se você quisesse se vestir tal qual Mick Jagger em Their Satanic Majesties Request (1967)

Dandie Fashions era um dos lugares para ir!

Ah, e ali perto ainda rolaria uma outra revoluçãozinha em uma década cheia de revoluções. Ninguém menos que a dupla Ossie Clark & Celia Birtwell na Quorum, que em 1966 mudou para a Radnor Walk número 52, pertinho do fervo da King's Road.

Look Ossie Clark com estampa Celia Birtwell

Ele era tão ligado à rua que até hoje é chamado de The King of King's Road! A mulher fazia os desenhos da estampa, em uma das parcerias mais prolíficas e famosas da moda britânica

Ossie Clark em si

na Quorum da sua chefe Alice Pollock

Twiggy de Ossie Clark

Por que se fala tão pouco de Ossie Clark hoje em dia? É um mistério. O cara foi genial!

Depois da injeção de capital de Al Radley na Quorum, a loja-marca conseguiu ficar mais lucrativa. Eles mudaram para a King's Road em si no seu auge, no número 113, em 1969. Em 1972, com Clark se envolvendo cada vez mais com a marca própria e homônima, a loja fecharia e tudo seria absorvido pela marca Radley (não confundir com a Radley London, de acessórios). Al Radley, aliás, morreu recentemente, em abril de 2019.

Ali por perto, no mesmo bairro de Chelsea, a The Fulham Road Clothes Shop abria no número 160 da, adivinha, Fulham Road. Era a loja de Sylvia Ayton com Zandra Rhodes. Lembra que eu falei da Rhodes aqui? Durou pouco, só até 1969. Mas foi a semente de, adivinha, outra revoluçãozinha - dessa vez de Rhodes em si. Falo mais sobre isso nesse post!

Não posso esquecer de algo que fez a cabeça das mulheres em Chelsea… o salão de Vidal Sassoon, no número 44 da Sloane Street!

Sassoon e Quant <3 A influência no cabelo e a influência na roupa

Seguindo em frente…

Em 1968, no mesmo mítico endereço da Hung on You da King's Road (o número 430), abria a Mr Freedom.

Mais doido ainda: Mr Freedom

Parecia que aquele endereço da King's Road em World's End estava destinado a ser sempre território da vanguarda da moda. Pop art, glam rock, pastiche da cultura norte-americana, mod. Essa mistura de autoria de Tommy Roberts e Trevor Myles era explosiva e dramática, a Mr Freedom parecia mais um cenário que uma loja. Aos moldes da Biba, eles decidiram sair de lá em 1971 para um endereço maior na Kensington Church Street em 1971.

A Mr Freedom fazia um bom par com a Cobblers to the World, loja de sapatos de Terry de Havilland no número 323 da King's Road, com botas, plataformas, brilhos e píton aberta logo depois, em 1972. O gênio dos calçados malucos fez coisas para pessoas tão diferentes quanto David Bowie, Jackie Kennedy, Rudolf Nureyev e… o personagem de Tim Curry, Dr. Frank-n-Furter, em The Rocky Horror Picture Show (1975)!

Terry de Havilland e suas criações na Cobblers to the World em 1974 - ele morreu no último dia 27/11

“I designed most of my shoes on acid, and the opening party for my shop in the King’s Road was famous for the three Cs — champagne, cocaine and caviar. God knows who was there — everybody.”

— Terry de Havilland para o The Guardian em 2006

Tim Curry e os sapatos da Cobblers to the World em The Rocky Horror Picture Show

Falando em filme: o Chelsea Girls (1966), longa de Andy Warhol e Paul Morrissey, não tem nada a ver com Chelsea, tá? Ele se liga ao Chelsea Hotel de NY, do outro lado do Atlântico. Na mesma pegada, o álbum Chelsea Girls (1967) de Nico se refere ao filme, no qual ela aparece.

Esclarecimentos feitos, voltemos para ele, sempre ele, esse número 430 da King's Road no World's End.
Trevor Myles, após a aventura da Mr Freedom num lugar maior, retomou esse ponto de origem com a Paradise Garage, loja que seguia mais ou menos a mesma ideia do seu maior sucesso: um cenário divertido, dessa vez bem centrado nos EUA dos anos 1950, muito jeans, meio bar de Louisiana.

Um paraíso de garagem

Trevor Myles na frente da loja - que realmente tinha uma bomba de gasolina antiga na porta (sem funcionar) e um carro com estampa de tigre estacionado na frente!

Não demorou muito para entrar em cena um dos maiores doidos que o marketing de moda mundial já viu. Malcolm McLaren pegou um pedaço na parte de trás da Paradise Garage com o amigo Patrick Casey e pediu para a mulher, uma tal de Vivienne, fazer umas roupinhas para vender ali.

Malcolm na frente da Let it Rock, a reencarnação seguinte do local, já sob sua batuta

O endereço do número 430 assumiu um lado sasonal: mudava de tempos em tempos. A Let it Rock já abriu no mesmo ano de 1971, vendendo roupas vintage e novas para Teddy Boys, bem anos 1950

E sim, você entendeu certo: a tal Vivienne era a Vivienne Westwood, que é dona do endereço até hoje!

Seguindo uma linha cada vez mais agressiva, a reencarnação Too Fast to Live Too Young to Die, cada vez mais à moda Westwood, trazia essas misturas doidas em 1972 de colegial com um tema de caveira remetendo à bandeira de pirata. Piratas seriam o tema do primeiro desfile de Vivienne em Paris, em 1981!

Sex, 1974

O rompimento total com os anos 1960: agora a onda era punk. Na nova reencarnação da loja, Westwood misturava sadomasoquismo, fetiche, couro e borracha, correntes. Isso era uma provocação total em pleno Chelsea, imagina?!

Vivienne Westwood na Seditionaires - Clothes for Heroes, mais uma encarnação de loja no mesmo endereço, aberta em 1976: com os Sex Pistols crescendo e virando vitrines ambulantes do estilo punk, cada vez mais gente se atraía. Agora a pegada era mais política, provocava com slogans e a clássica imagem dos caubóis com os paus encostando: provocativa na representação de nudez, homossexualidade, dando um tapa na cara da burguesia

Essa aqui

no corpinho de Sid Vicious, do Sex Pistols

Finalmente a última reencarnação, que continua assim de 1980 até hoje: Vivienne Westwood World's End é onde você encontra as peças mais clássicas da estilista, que já foi caminhando para um estilo New Romantic quando percebeu que o punk tinha dado o que havia de dar

Posso falar só de mais uma?

A BOY!

A BOY ficava no número 153 da King's Road. Stephane Raynor, o fundador, trabalhava na Let it Rock. Abriu a BOY em 1976, que se transformou em point tanto quanto as lojas da dupla McLaren e Westwood. Assim como Chrissie Hynde trabalhou na Sex antes da fama, na BOY você encontrava Billy Idol no caixa!

A BOY conseguiu acompanhar a moda: do punk para o New Romantic (como Westwood), do New Romantic para o clubbing dos anos 1980. A marca voltou em 2007 - você curte? Tenho um certo preconceito bobo, acho que tem cara de marca de skinhead, mas acho que é só comigo, né? Um monte de bilu usa o boné. Enfim! kkkkkk

A King's Road e Chelsea em si continuam sendo tudo isso hoje? Não. Com as consequências da gentrificação (leia-se o aumento do aluguel), o povo mais inventivo vazou. A loja da Vivienne é meio isolada, não tem nada muito interessante ali perto. Acontece. Já a Carnaby Street é um fervo, pertinho da Liberty London. Eu adoro.